В марте в Образовательном центре «Сириус» проходит программа «Композиционный рисунок». Она помогает школьникам погрузиться в профессиональную атмосферу и получить новые навыки, знания в области рисунка и композиции. О живописи и ее роли в современном мире, профильном образовании и успехе в профессии рассказала декан факультета графики МГАХИ имени Василия Сурикова, преподаватель «Сириуса» Евгения Воронова.
– Востребована ли живопись в эпоху интернета и высоких технологий?
– Я наблюдаю, что сейчас очень популярны живопись и все, что делается руками. Несмотря на развитие технологий и метавселенных, NFT, классическую живопись ничем не победить. Пандемия обратила людей к тому, что все оказались в необычных для себя условиях, поняли, что нужно что-то творить, создавать своими руками. Развитие институтов искусства и доступность образования, в том числе дополнительных курсов, позволяют заниматься живописью людям разных профессий, которые горят творчеством и находят на это время даже при плотном графике.
– Как новые IT-технологии влияют на живопись в ее классическом виде?
– В художественной практике компьютерные технологии – это просто новый инструмент. Он не соединяется с живописной практикой, это две абсолютно разные природы. А IT, искусственный интеллект – это механистическая история, которая существует параллельно с человеком. Живопись обогащается от появления этих технологий, потому что они еще больше подчеркивают уникальность каждого произведения, сделанного руками художника, создают новые пути развития формы. Например, таким импульсом могут быть ошибки на компьютере, сбои на фото, когда появляются размазанные электронные пятна на экране, линии, блики. Я смотрю на них как на живопись и потом использую в работе. Постоянная практика состоит в том, чтобы любой случайно замеченный визуальный эффект запомнить и потом применить в своей практике.
– Повлияли ли новые тенденции в мире на критерии оценки художника как профессионала?
– Наверное, нет. Кто-то из известных мастеров говорил: «Если я обнаружу, что все понял, я больше не пойду в мастерскую». Творчество – это бесконечный процесс. Я даже могу сказать, что во время работы многому учусь у своих студентов. Например, они гораздо больше меня разбираются в технологиях и знают последние тренды.
Профессионала выдают образование, насмотренность, умение сделать и объяснить, что ты сделал. Сейчас важно не только уметь создавать картины, но и возможность формировать идеи и соединять их с художественными образами. Это определенный критерий профессионализма. Безусловно, есть исключения: например, художник может визуально выразить свои мысли и чувства, а концептуально объяснить – нет, хотя в его картинах видно, насколько он большой профессионал. Это плохой пример, которого нужно избегать.
– Какие показатели успеха важны для художника?
– Что такое успех для художника? Это признание общества, зрителей? Продажа работ? У каждого свои критерии. Для меня это внутренний показатель – движение вперед.
Очень опасно оценивать свой профессионализм по продажам работ. Когда понимаешь, что зрителю нравится твое творчество, начинает кружится голова, из-за «успеха» ты перестаешь развиваться, останавливаешься. Признание в обществе можно отнести сюда же. Поэтому мне кажется, что не нужно слепо верить похвалам. В работе художника нет никаких начальников, которые проконтролируют сделанное и дадут повышение, потому что ты способен и успешен. Честный критерий должен быть в голове: нужно все время требовать от себя большего, самосовершенствоваться, развиваться.
– Число выставок пропорционально уровню успеха?
– Думаю, нет. Есть разные площадки, на одних лучше не выставляться, чтобы не губить карьеру, а другие представляют художника коллекционерам и представителям музеев.
Для художника самое главное – делать работы. Когда они есть, хочется, чтобы их увидели. Подсознательно выставляться хотят все, даже если стесняются, боятся. Молодые художники, например, собираются вместе, и в своих же мастерских устраивают выставки, приглашают посетителей. Персональные выставки сложнее и финансово, и организационно, но благодаря им ты попадаешь в сообщество, получаешь приглашение в галереи, становишься известным.
– Может ли организовать выставку школьник?
– Наверное, нет. Не та ответственность. Необходимо научиться себя подавать перед зрителями, рассказывать про работы. Обучение этому входит в учебный процесс. Это и отличает профессионала: он знает, как удачно сложить портфолио, его презентовать, какая должна быть экспозиция, чтобы подчеркнуть основную идею.
– А в «Сириусе» Вы рассказываете ребятам, как организовать свою выставку? В чем особенность обучения в Образовательном центре?
– На мой взгляд, «Сириус» привлекателен тем, что ребята могут сконцентрированно многое попробовать. Образовательный центр помогает детям окунуться в профессию: много занятий, уроки по общеобразовательной программе, интересный досуг. Здесь неожиданно для себя можно узнать, к чему у тебя больше способностей – к наукам, искусству, спорту.
Мы на нашей программе рассказываем про выставочную деятельность, но это выступает как дополнительный курс занятий к основному направлению. Главными для нас остаются мастер-классы по профилю, которые помогают школьникам получить знание вузовского уровня.
– Важно ли художнику в современном мире получить профильное образование?
– Я адепт профессионального образования. В моем случае оно классическое, даже консервативное: я училась семь лет в Московской центральной школе, где после пятого класса нужно пройти практически вузовскую программу. Потом я поступила в Суриковский институт, отучилась и стала там преподавать.
При этом я также принимаю художников, у которых нет высшего художественного образования, потому что все очень индивидуально. На мой взгляд, если это возможно, то лучше получить образование во всех сферах, не только в искусстве. Сейчас художник – это не тот, кто умеет рисовать, так как существуют разные практики для выражения своих идей. Но все таки получить какое-либо гуманитарное образование нужно. Это минимальный опыт, который художник в дальнейшем может развивать, дополнять, ведь мы учимся всю жизнь.
– Существует мнение, что каждый художник – индивидуалист и должен иметь свой авторский стиль. Как его найти?
– Никак, можно только сформировать после долгой работы. Необходимо всегда находиться в поле эксперимента и применять в творчестве личный опыт, умения. Когда у мастера есть знания и владение разными изобразительными техниками (живописью, рисунком, основами композиции, керамикой, графическими техниками), то он быстрее формирует свой метод работы, чем когда этого нет.
Здесь нужно «разучиться» рисовать по правилам и попробовать направить свои знания на воплощение собственных идей. В экспериментах и начинается формирование стиля: соединяешь несоединяемое, делаешь так, как не учили. В то же время твоя школа позволяет тебе это правильно сочетать и постепенно формирует индивидуальный подход к творчеству.
– Нужно ли эмоциональное состояние отражать в творчестве, своих работах?
– Художник не может сохранять эмоции в себе так, чтобы они не влияли на его творчество. Он перерабатывает все свои чувства в художественный образ или концепцию. Поэтому все великие мастера так по-разному отражали в своих произведениях вроде бы обычные явления – любовь, боль, ненависть. Мы все разные, и эта разница должна существовать и в искусстве, она отражается в наших работах.
– Столкнемся ли мы в будущем с проблемой отсутствия новых мастеров?
– Художников много не бывает. Искусство связано со всеми сферами жизни: политикой, экономикой, социальными изменениями. По этой причине оно оставалось и остается востребованным и привлекательным, поэтому в это направление приходят все новые и новые люди.
Сколько имен художников из каждой эпохи истории мы знаем? Немного, но это авторы с большой буквы, которые повлияли на дальнейшее развитие искусства. Сейчас непонятно, как через сто лет будет выглядеть художественная сфера, как будет формироваться список тех имен, которые останутся в истории. Время покажет.
Текст подготовлен Марией Муравьевой и Миленой Пугиной
