В марте в Образовательном центре «Сириус» проходит программа по композиционному рисунку от Московского государственного академического художественного института имени Василия Сурикова. Ведущие преподаватели вуза – опытные художники – рассказывают школьникам, как найти захватывающую идею в обычном интерьере и передать ее зрителям. О профессиональных приемах и значимости автопортретов рассказала декан факультета дополнительного образования, старший преподаватель кафедры рисунка Ксения Воронова.
Рисуем мягкими материалами
Рисунок – это не перечисление объектов, а связь формы с пространством. Ксения Воронова подчеркивает, что начинать работу над композицией лучше в мягких материалах, которые дадут возможность развить свет и тень.
«Мы выбрали метод рисования от тонированного листа через средний тон с постепенным высветлением света и погружением тени. Для создания более убедительного образа пространства была выбрана холодная гамма. Холодный цвет оптически воспринимается глазом как далеко лежащий, и он используется для создания глубины пространства. Также некоторые ребята учатся рисовать в технике “соус”, которая может быть ступенью перехода в живописи. Никаких четких линий, очень черного или очень белого. Самое главное – научиться создавать пространство в листе и связи между предметами. Это и есть пространство внутри картины, нарисованное с учетом распространения света», – отметила педагог.
Копирование не преступление
Художник должен не просто изучать картины великих мастеров разных эпох, а анализировать их, пытаться понять, в чем притягательность каждой работы. Лучше всего в этом помогает копирование.
«Чтобы подступиться к композиционному рисунку, нужно взять тот пример, который тебе нравится, например, композицию Караваджо, и попробовать расшифровать ее художественный язык. Важно не просто срисовать все фигуры, здания и элементы, а проследить динамику всей композиции в целом. Для этого можно сделать набросок и поделить его на оптические центры (силовые линии формата – это линии, идущие посередине листа по горизонтали, вертикали и диагонали) и проверить на золотое сечение. Какие элементы картины у художников попадают на силовые линии? Эта работа нравится, потому что в ней заложена определенная динамика? Такими тренировками мастер может наладить связь головы с рукой, поэтому в вузах копирование через анализ работы – очень важная задача», – объяснила преподаватель.
Не идти коленками назад
Важно не только обращаться к библейским сюжетам и мифам Древней Греции, которые традиционно используются художниками как образная составляющая, но и не забывать про современные тенденции. В своем творчестве необходимо подмечать понятные и знакомые мотивы, близкие автору, выявлять «черту времени», что поможет зрителю в привычных предметах найти новые значения и смыслы.
«Мы стараемся не жить коленками назад и воспринимать художественные традиции как несение огня, а не поклонение пеплу. В моих постановках для ребят всегда присутствуют знаки времени и обращения к понятным референсам. Мы предлагаем подумать не только о живописном наследии, но и о теме кинематографа, театра и многих других. Благодаря такому разнообразию наши ученики готовы воспринимать любую композиционную среду и выделять в ней для себя, как для творца, главные мотивы», – рассказала художница.
Композиция = взгляд художника
Рисунок отражает не просто картину реальности, а взгляд и отношение художника к ней. Ксения Воронова уверена, что в этом и заключается секрет востребованности картин великих художников: за счет правильного контекста и продуманности каждого элемента своей работы они смогли заключить в нее понятные всем смыслы, которые не зависят от времени.
«Это как постановка спектакля. Сцена не терпит чего-то сверхнастоящего. Если все очень надуманно и выполнено механически, то зритель это чувствует и больше не верит спектаклю. Искусство – это “Большая Метафора”. Необходима золотая середина, гармония. И в этот момент включается талант режиссера, который может взять смыслы из себя и своего восприятия и облечь их в понятную для зрителя форму. В таком случае натура – объекты, интерьер, модели – для художника только повод, чтобы раскрыть перед зрителями свой внутренний мир», – призналась педагог.
Тренируем глаз
Художнику не нужно ехать в Рим, чтобы найти и написать красивый сюжет. Он видит эту красоту в том, что его окружает, и в конце концов обретает свой багаж знаний и насмотренности. Для того чтобы отточить мастерство, необходимо развивать в себе композиционное мышление.
«Наше образование ведет к тому, что с какого-то момента юный художник не нуждается в натуре для создания картины. Например, в монументальном искусстве у автора нет возможности поставить перед собой модель и срисовать ее, чтобы все проверить и выверить. В таком случае художник рисует, ориентируясь на свой композиционный багаж. Конечно, есть художественные законы и приемы, это профессиональные маркеры, которые даются в институтах и раскрывают секрет золотого сечения, структурирования формата или анализа пространства через систему квадратов. Но технология работы художника и тот метод, что он избирает в своей работе, – его личный выбор», – подчеркнула Ксения Воронова.
Экспериментируем на себе
Для первых попыток создать композицию юному мастеру может подойти автопортрет.
«Автопортрет помогает отрабатывать те ходы, которые волнуют художника, например, помещение фигуры на контрастный фон или на прямой свет. Так ты экспериментируешь над собой. Я студентам даю такое задание в каждом полугодии, и они через него отрабатывают навыки и показывают свой образ – кто я. Ведь ты всегда у себя есть, и ты лучше другого себя знаешь и всегда изучаешь в течение всей жизни», – рассказала художница.
